江苏龙网

  1. 首页 > 社会 > >

中国画为什么不能象西画那样写实？

中国画为什么不能象西画那样写实？中国画 ， 是中国国粹之一 ， 它的表现手法和工具很简单也很原始 ， 手法是以线条勾勒和彩墨平涂为主 ， 工具是纸或绢 ， 毛笔 ， 墨砚及矿物颜料 ， 可以说它是原始壁画向高级发展的结果 ， 因为整个人类的绘画艺术和文字都起源于原始的洞穴壁画或者图腾 ， 洞穴壁画是用简单的工具和颜料完成的 ， 所以无论中国画怎么改进革新 ， 它都不能脱离最基本的东西 ， 这就是毛笔和墨 ， 线条和平涂 ， 否则就失去了它固有的风格 ， 也就不叫中国画了 。 几千年来 ， 中国的画家们一直试图突破中国画的传统表现手法 ， 但能创新者凤毛麟角 ， 比如宋的米芾 ， 明的徐渭 ， 虽然开创了泼墨（大面积平涂）和没骨（不全部使用线条）画法 ， 但仍然没有摆脱它的原始文脉 ， 这个文脉就是洞穴画对事物的神似表达 ， 而不是形似（写实）表达 ， 概括地说 ， 就是写意 。 只讲意境而不追求真实 ， 是中国画的灵魂 。中国画的这种写意画魂 ， 不仅影响着诗词和书法 ， 而且还影响了中国的其它文化艺术 ， 比如京戏 ， 京戏是不讲舞台布景的 ， 只有一点简单的道具 ， 全靠演员的动作和行头加化妆 ， 以说、唱、念、打来表现剧情 。 比如骑马 ， 就是一条马鞭 ， 其它的任由观众自己去想象 。 另外 ， 中国画特别注重传统 。 常常讲究笔法墨法的技巧 ， 即使是欣赏 ， 也常常会审视笔法墨法之来历 ， 并且以承传有绪、渊源高古作为佳作的依据 。中国画风景的写意精神是从哪里来的呢？我看还是从观察大自然而来的 ， 即“师法造化”（徐悲鸿语） 。 但是 ， 中国画特别是山水画的这种表现力 ， 是画家们主观记忆的结果 ， 不是现场写生的结果 。 山水画讲求的是章法意蕴 ， 用笔用墨的技巧而不是真实 ， 比如山石的画法技巧就有多种 ， 什么斧劈皴、披麻皴 ， 荷叶皴等等 ， 这就形成了它的独特风格和传统 ， 中国古代地图就是这种传统的最强烈表现 ， 在以山水画形式绘制的地图上 ， 人们是看不到距离与比例的 。 山脉 ， 河流 ， 城市都是图画式的 ， 近似于航空鸟瞰图 。 而在山水画作品中 ， 也根本就不存在透视关系 ， 没有逝点（透视焦点） ， 它是用墨的浓淡虚实来体现景物的远近关系 。 为了解释这种不科学的绘画传统 ， 中国画的导师们发明了一个奇怪的概念来自圆其说：散点透视 。 就是说 ， 中国的山水画不是不讲透视 ， 而是采用了一种分散的逝点 ， 我在教学中就跟学生们讲 ， 所谓“散点透视” ， 就是发明“散点透视”的大师们作画时放了个大屁 ， 屁崩的一样 ， 到处都是焦点 ， 荒谬无比 。希恩斯特·贡布里希（英Ernst Gombrich）在其《艺术史》中说：“中国艺术家并不是走到户外 ， 坐在某个主题对象面前对之速写 。 他们甚至通过一种奇怪的方式学习艺术 ， 即沉思默想并专注于如何画松树、如何画岩石、如何画云层这些让他们获得技巧的东西 ， 他们通过研究名家之作而不是从自然来学习艺术 。 ”贡布里希的话 ， 可谓击中了传统中国画轻视写生的要害 。中国画对传统的学习的确有许多误区 ， 尤其是写生 。 大约从宋代开始 ， 学习中国画 ， 出现了许多图谱、课稿 。 到清代时 ， 这些图谱已极为齐全 。 近现代中国画家 ， 很少有不临习《芥子园画谱》以启蒙的 ， 就象书法临帖一样 ， 必须师出名家 ， 师出古人死人 ， 能跋山涉水外出写生以示创新者 ， 相对就少 。 对画谱技法孜孜以求的研究 ， 而对活生生的山川林木 ， 花鸟人物却视而不见 ， 这种现象是相当普遍的 ， 反而追求一种正统的古典美 ， 越古越好 。 虽然中国古人说“行万里路 ， 读万卷书” ， 然而 ， 古人所谓的行万里路 ， 着眼点在于陶冶情操 ， 开拓胸襟 ， 获得人生经验和感悟 ， 并非指对大自然的审美 。但是 ， 坚持传统的中国画有它独特审美意识者有自己的理论 ， 对写实主义也提出了反面的批评：其一、“写实”造型不符合中国画的审美要求 ， 理由是中国画为世界绘画艺术中的一门画种 ， 是中华民族文化和精神的体现 。 千百年来 ， 中国画的审美造型都强调“意象”造型的美学观念 。 何为“意象”？钟家骥在《水墨画新论》中是这样谈论的：“意象即表象 ， 又叫心象 ， 意境；指文艺家构思的意趣和物象的契合 。 根据是刘勰《文心雕龙·神思》的：‘独照之匠 ， 窥意象而运斤 。 ’并进一步说明意象是指艺术形象 ， 饶有意味、饱含情思、充满理趣的形象 。 ”由此可见 ， “意象”作为艺术创作与欣赏是一种复杂的心理现象 ， 是在中华民族特有的文化背景下形成的 。而写实造型呢 ， 是西方艺术的表现手段 ， 是在一定科学的解剖透视法则上进行的 ， 因此 ， 它是理性的思维方式 。 达芬奇比喻它是自然的“儿子” ， 是客观存在的真实反映 。 而“意象”的思维方式是感性的 。 因此 ， 中国画的创作过程和审美过程在很大程度上是感性的过程 。 如果将理性的思维所创作出来的形式 ， 融入到感性的审美意趣当中就是不和谐的 ， 是南辕北辙 。不同的文化背景便会派生出不同的审美观点 ， 这就是中西两种文化的差异 。 对于写实 ， 是中国画所难接受的 ， 如果强行接受便是对中国画审美意趣的否定 。 这一点 ， 黄宾虹在《国画之民学》中就谈到了国画的造型审美主义：凡是天生的东西 ， 没有绝对的方或圆 ， 拆开来看 ， 都是由许多不齐的弧与三角合成的 。 三角的形状多 ， 变化大 ， 所以美 。 一个正三角形 ， 也不会美 。 天生的东西绝不会都是整齐的 ， 所以要不齐 ， 不齐之齐 ， 齐而不齐 ， 这才是美 。 ”总之 ， 西方绘画的写实造型不符合中国画的审美标准 。 借象达意 ， 将物象人格化是中国画造型的唯一手段 。 说了半天 ， 还是回到了原始洞穴壁画的稚气审美时代 。其二、写实造型不符合中国画的笔墨情趣 。 中国画以线为骨 ， 以墨为肉的表现手段 ， 致使笔墨在能渗化的宣纸上得以自由地发挥 。 纸张的发明 ， 书写空间得到解放 ， 从而使中国绘画的空间也随之得以解放 ， 因而促进写意画的萌芽和进一步的发展 。 写意画强调的是气韵的生动和笔墨所呈现出来的情趣美感 ， 是借助中国画的工具材料来宣泄自己内心的情感 ， 所以在作画的过程中强调随心所欲 ， 从而达到物我一体 ， 天人合一的境界 ， 同时他们还强调灵感火花的闪现 ， 也就是偶然性的灵光一闪 ， 便获得了绘画中的“逸品” 。 但是这个说法 ， 其实是西方绘画表现主义的翻版 ， 不过是工具的区别 ， 现代中国画的大师们从黄永玉开始 ， 就在探索中国画的表现主义 ， 但在色彩上过于追求 ， 对笔墨的脱离 ， 还是失去了中国画的精髓 。 不讲笔法和墨法 ， 就不能称其为中国画 。最后 ， 现代中国画为自己自圆其说的新概念是“气韵生动” 。 由此作为现代国画作品的品评标准 ， 奠定了中国绘画新的美学特色 。 张大千 ， 刘海栗都在力图将自己的作品实现这个标准 。 结果 ， 中国画因为笔墨表现方法的限制 ， 毕竟墨与宣纸不能象油画颜料和画布那样反复揉搓涂沫 ， 在无法接受写实主义的无奈之下 ， 接受了西方绘画流派中的表现主义 ， 变成了邯郸学步 。最早改变中国画传统的是外国人而不是中国人 ， 是意大利画家郎世宁 。 清代康熙朝时 ， 宫廷中有一批外籍洋画家 ， 最具代表的是郎世宁 ， 还有王致诚、艾启蒙等 。 他们把西洋油画的画法带入中国 ， 又与中国绘画的风格融合 ， 以适应中国人的欣赏习惯 ， 创作出一批以帝王审美要求为标准的 ， 中西合璧的绘画作品 。 其中有不少是主题性创作 ， 例如反映乾隆于热河避暑山庄 ， 大宴少数民族首领和文武百官的巨幅绘画《万树园赐宴图》 。 这类大型绘画作品 ， 没有相当的写实功力和画面组织能力 ， 是很难完成的 。 《万树园赐宴图》在写实和开创主题性绘画创作方面 ， 在中国绘画史上有着积极的作用 。 这类洋画家的作品在形似方面较为见长 ， 没有这些更为科学的素描 ， 透视 ， 色彩等新技巧的传入 ， 中国画传统的人物造型就很难有再大的突破 。 但是为了保留西洋绘画的写实主义 ， 他们在中国传统文人所追求的意蕴上没有多少开凿 ， 在这一点上确能看出中西文化差异所导致的审美取向不同 。郎世宁认为中国的风景画（山水画）不讲透视 ， 不科学 ， 曾试图请求康熙 ， 开办一所绘画学校 ， 学习用西方透视原理来绘画 ， 但未获允许 ， 后来只好与中国学者年希尧共同出版了一本《视学》 ， 这是中国第一部透视学专着 。 郎世宁还认为中国画的表现力不够 ， 只写意而不写实 ， 所以他引进了西画的明暗写实手法 ， 并改用胶状颜料在明矾水漂过的（也叫熟宣）宣纸上作画 ， 也就是今日的水粉和水彩画法 。 其实 ， 早于郎世宁来华之前 ， 清宫画师们已流传着西洋画风 ， 这是受了西洋贡品和民间流传的西洋画影响 ， 不过郎世宁进宫后 ， 融合了西洋透视 ， 光影明暗等技法用于中国绘画 ， 甚至在用色浓淡方面 ， 也从中国传统的淡薄渲染 ， 改为华丽鲜艳的重彩 ， 这种画风 ， 主要体现在工笔画特别是花鸟画上 。朗世宁的绘画艺术风格对中国传统绘画的影响是极其深远的 ， 他的作品代表了当时的中国宫廷艺术品位 。 他不仅主导了当时的宫廷画风 ， 还影响了民间艺术 。 比较典型的例子是雍正和乾隆时期的官窑粉彩瓷器上的构图布局 ， 其绘画主题多出自于朗氏绘画 。 朗世宁的绘画艺术天分主要体现在：油画（现存作品已极少见到）；用西洋画的透视和明暗技法改良中国水墨画；融中国画工笔绘法和西洋画三维观（写实主义）为一体 ， 创造了新的画风 。 他对中西艺术的深透领悟及技巧 ， 后来在乾隆皇帝修建圆明园时得到了淋漓尽致的发挥 。但朗世宁对中国绘画艺术的最大贡献并非是宫廷画的中西合璧 ， 而在于他的写实主义影响了中国的民间绘画艺术 ， 特别是到了19世纪末20世纪初 ， 帝制的衰落灭亡 ， 使依附于皇室贵胄的画家们转靠社会卖画维生 ， 画家的城市化 ， 使绘画与社会政治有了更密切的关系 ， 画家彼此了解、互相影响的机会多了 ， 绘画做为文人墨戏的时代已经结束 ， 水墨画的山林田园情趣淡化 ， 政治倾向或商业气息变浓 ， 随着西方思想文化涌入中国 ， 美术也被纳入“宜师泰西之长而成其变”的一个方面 ， 中国画正式走上了与西画结合的道路 。 至少 ， 在人物画上开始讲点人体解剖了 。 （这也可以从明清民国三个时期的春宫画上得以佐证）值得一提的是 ， 晚清洋务运动的“经世致用”到“师夷制夷”方针 ， 导致了新式美术教育的出现 ， 而且最早提出国画变法的居然是康有为 。 康有为在戊戌变法失败后流亡欧洲 ， 特别是在游历意大利时感悟极大 ， 并赋诗《怀拉飞尔画师得绝句八》惊叹拉斐尔画人体的阴阳逼真、秀韵神光、精微逼肖、以形写神的写实之功 。 认为“吾国画疏浅 ， 远不如之 。 此事亦当变法！”他把拉斐尔与同时代的中国画家进行了对比 ， 得出了其中的缘由：“拉飞尔与明之文征明、董其昌同时 ， 皆为变画大家 。 但拉则变为油画 ， 加以精深华妙 。 文董则变为意笔 ， 以轻微淡远胜 ， 而宋元写真之画反失 。 彼则求真 ， 我求不真；以此相反 ， 而我遂退化 。 若以宋元名家之画 ， 比之欧人拉飞尔未出之前画家 ， 则我中国之画 ， 有过之无不及也 。 总结了拉斐尔的画之后 ， 康开始思考传统中国画的弊端问题 ， 发出了震撼人心的“中国近世之画衰败极矣”的感慨 ， 提出变革中国画的思想 。 后来康资助徐悲鸿留学 ， 与此不无关系 。宋代以后 ， 中国的绘画和雕塑艺术就停滞不前了 。 和儒学一样 ， 中国绘画与造型艺术从宋代开始 ， 即是起点也是终点 。应该承认 ， 中国十二世纪前的绘画造型艺术不比西方差多少（包括雕塑） ， 比如《清明上河图》（尽管不能与西画相比）和山西晋祠的雕塑 ， 相对而言还都是很写实的（比如 ， 汴梁城内外景物的透视关系） 。 但自从佛教传入之后 ， 受印度宗教艺术影响 ， 基本上再没有创造力和发展 。 而西方艺术却进入了文艺复兴时期 ， 绘画与雕塑向前迈进了一大步 。 往深层次探源 ， 不能不说与宗教文化（包括儒家思想）的束缚有一定关系 。师从古人而不是师法造化 ， 各名家的碑帖画谱成了学习入门的公式模式 ， 完全脱离现实 ， 成为宫廷装饰品和文人墨戏 。 而且除宫廷画师外 ， 民间的艺术家沦为匠人 ， 文人也以擅画为耻 ， 琴棋书画 ， 成了业余爱好 。 文化艺术脱离社会现实的结果就是清宫皇帝辨子戏泛滥 。 为“盛世”歌功颂德 ， 为专制统治张目 。 中国画不能为现实服务 ， 就是因为它的表现力不行 ， 没可能象油画那样真实表现气势磅礴的社会动态 。 今天的中国画 ， 就是满清破落户的鸟笼子和蟋蟀 ， 闲情逸致的玩物 。 能应用到工业美术 ， 实用美术上吗？还是与磁器分不开 ， 画在花瓶上出口创汇 ， 而名家大家的作品也仅供少数权贵收藏而已 。对中国传统文化艺术必须进行批判 ， 不批判就不能发展 。凡没有前景失去市场的 ， 应该淘汰的文化必须淘汰 ， 比如京戏 ， 可以保留一点种子做为文物 ， 但无须再花大本钱培育发展；中国画亦如此 ， 应该突破因循守旧的传统 ， 否则中国就不会再有大师级的画家 ， 除了徐悲鸿的马 ， 齐白石的虾 ， 吴作人的金鱼 ， 梁黄胄的驴 ， 还有谁能独创出什么来？难道我们现代人还不如百年前的康有为？


    推荐阅读


    上一篇：分餐制关键：抛弃中国人的小饭碗！

    下一篇：北京人怎么你了？