中国画|古人画中的人物总是看起来相似？通过对比中西方人物画，给你答案( 三 )
画面虽然已经很精美 ， 五官也经过了细致的刻画 ， 但古代中国自周代就开始强调的礼法 ， 连日常穿衣戴帽都赋予了各种意义 ， 画面中七位苏州缙绅名士都穿了白衣长衫象征自己的文人气质 ， 古代人物画对衣服的描绘甚至比对五官的描绘更重视 。 吴中七老对服饰审美的一致性让画面乍一看还是有一种一个人重复出现了七次的错觉 。 
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吴中七老图 清 胡淦 绘清晚期 ， 同时代的西方画家之写实技能甚至已经比不甚成熟的照相机还要高超 。 他们甚至已经不满足于超写实技法带来的荣誉 ， 反而开始追求对生活的艺术再现 。 故而出现了马奈、莫奈、雷诺阿、德加、西斯莱、毕沙罗、梵高、毕加索等诸多功底扎实、风格各异、享誉全球的艺术大师 ， 明清人物画家的艺术表现力相较之下就逊色了许多 。
中国画追求神似而非形似也许唐宋时期的艺术还各有特色 ， 但对于明清艺术 ， 这似乎成了一个通病 ， 为什么与明清两朝同时期的西方人物画看起来比中国人物画更具有独特风格且风姿各异 ， 更能刻画出人物的不同外貌和精神特质呢？
是哪些原因导致传统人物画形成了固定套路 ， 写实感比较低 ， 看起来相似感较高呢？
从创作技法上讲 ， 国画讲究境界 ， 国画理论对神似的要求高于形似 。 中国人物画家顾恺之的“以形写神”论对人物画的影响很大 ， “以形写神”指明画家在反映客观现实时 ， 首先应追求内在的精神本质的酷似 ， 其次才追求外在形象的逼真 。 这个艺术处理办法对国画的写实感有一定影响 。
在中国画的画家还是个学徒时 ， 听得最多的话 ， 也许就是“外师造化中得心源”了 。 这是中国画家的“武林秘籍” 。 当他们在日常绘画时 ， 非常注重主观情绪和意识的抒发 ， 不是很注重“真实感” ， 形成“意在笔先”“胸有成竹”的现象 。 传统人物画 ， 基本上不重视惟妙惟肖地完全刻摩出一个人的“形”体 ， 因为画家们认为“神似”远比“形似”高级 。
相传唐代名将郭子仪曾请当朝两大名画家韩幹与周昉为他的女婿赵纵画像 。 画成 ， 大家都觉得不错 ， 郭子仪也觉得都是名家手笔 ， 便张挂在家中 ， 想比较哪一幅更好 。 有一天 ， 他的女儿回家 ， 郭子仪就问她二画优劣 。 他女儿端详一番 ， 即说后画好 。 理由是 ， 前画只是“像” ， “空得赵郎状貌” ， 而后画却能兼得赵郎的“性情言笑之姿” 。 可见 ， 当时人们也更欣赏神似 ， 而非只追求形似 。
对于中国画家而言 ， 绘画是创造性的艺术 ， 不是为了复原 ， 更不是为了谋生 。 在他们看来 ， 无论画什么 ， 一心追求形似 ， 就还是“匠”的层面 ， 他们很傲娇 ， 也很不屑拘泥于“形似” 。
另外 ， 传统国画在构图上不拘泥于焦点透视的束缚 ，灵活自由 ， 多采用散点透视法 ， 使视野更加宽阔 ， 冲破时间与空间的局限 。
中国画讲究通过笔墨情趣抒发画家个人情感 ， 古往今来大多崇尚“似与不似之间”的层次 。 在构图时 ， 画家喜爱留白 ， 除少量肖像画外 ， 人物往往只是画面中一小部分 ， 运用墨色互补和用笔多变 ， 达到虚实相生的画面效果 ， 给欣赏者留下丰富的想象空间 。
反观西方绘画 ， 自文艺复兴以后 ， 大多以解剖学和透视法等科学的理论基础指导着绘画 ， “形似”是西方画家的基本功 。 后来甚至通过暗箱来更细致地观察事物 ， “精益求精”“像益求像” 。
创作手段造就画风中国古代绘画经过几千年的洗礼依然传承使用毛笔和宣纸或绢布作画 ， 作画颜料以水墨为媒 ， 毛笔的头尖而圆润 ， 灵活多变 ， 使得画者偏重线条发展 。 而线条的劣势便是难以产生足够立体感 ， 无法将人物面部特征表现出来 ， 所以要画得像比较难 。 
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