民小编说
这是一篇关于艺术教育的通识讲座文章。清华大学美术学院教授李睦指出，人们普遍觉得自己与艺术有隔阂，当我们去博物馆看一件作品时，只想印证已知的东西，而没有用心灵去感受、体验艺术。他也指出了中小学时期的美术教育的不足，比如往往重视内容，而忽视了形式方面的引导等。读了这篇文章后，相信您在欣赏书上的、博物馆、展览馆里的艺术作品时，有了一个新的角度 。
人们普遍认为自己和艺术之间存在某种隔阂。
这种对艺术的误解可能导致大多数人无法认清这样一种事实：艺术会给人类社会和个体提供各种各样的可能性，尤其是改变固有思维习惯的可能性。
文章插图
每一个人原本都具有一些尚未开发出来的潜能，或是个体独有的思维能力和洞察力，但这些都被对艺术的错误认知所遮蔽了。
这也在一定程度上导致艺术教学的开展格外艰难。
清华大学的图书馆和博物馆策划过许多高水平展览，例如达芬奇原作展览，西方绘画五百年原作展览等。
博物馆平均每天的参观量在三千人左右，但其中清华的学生是少数。
为何会这样？
据我们新雅书院的学生反馈，如果自己去看，根本看不出个所以然，希望老师能组织大家一起去看，在现场对作品进行讲解。
我想，大多数同学在看展前会做一些功课，如查阅相关资料等，在进入博物馆以后按照先前的准备，按图索骥去观察那些作品，更准确地说是去查阅和搜索，找到了作品，对上了标签，看一下介绍，说不定再拍张照，就结束了对这幅画的观赏。
如果用这样的方式看展，多数情况下恐怕不会给参观者带来真正意义上的那种直击灵魂深处的触动，但艺术的真谛恰在于此。
我们普遍缺乏艺术教育，且艺术教育中缺乏抽象思维训练，大多数人对绘画的理解简化成了“看图识字”式的浏览，这使我们很难辨别绘画作品中的美，也很难辨别生活中出现的美。
一副绘画作品由什么组成？答案可能很多。但概括起来，不外乎两个方面：内容和形式。
我们观看一幅绘画作品往往从内容入手。以《蒙娜丽莎的微笑》为例，画的远端是风景，近处是人物，人物的首饰、服装，特别是人物脸上的微笑，人物本身的更多故事情景，或设想达芬奇是在什么情况下创作出这幅作品，以及作品的中心思想等。这些都属于作品内容。
但是，在阅读一件绘画作品的过程中，我们往往过分专注作品的内容，却容易忽视形式。所谓形式，主要指作品的色彩、线条、形态和空间，以及色彩的搭配、线条的组合、形态的叠加、空间的变化等。
任何一件优秀的绘画作品，内容不能脱离形式语言的支撑而独立存在。
如果说内容是绘画的外表，那么形式就是绘画的骨骼。
作为形式的色彩、形态、空间和线条，同样也是绘画的内容。所谓内容，就一定只有故事和情节吗？形式语言就不能表达故事吗？色彩就没有感情吗？线条就没有节奏、没有韵律吗？空间就不能表达意义吗？
我们这么多年的教育，特别是中小学时期的美术教育，往往重视内容，而忽视了形式方面的引导。
很多时候，教师会告诉学生：内容决定形式，形式是为内容服务的。这显然忽视了形式语言本身的作用，更没有给学生们提供一种学习形式语言的适当方式。
而且，我们的艺术教育中缺乏有关抽象思维的训练，使得学生们尤其不善于观察事物，也不善于体会形式语言的作用和表现性，比如线条的感情、色彩的感受性、空间形态表达的精神意义和内涵。
这种思维方式的缺失所导致的直接结果是：在阅读绘画作品的过程中，大多数人只能在绘画作品中看到故事和内容，把对绘画的阅读和理解简化为“看图识字”。
渐渐地，我们就越来越难以辨别绘画作品中的美，也很难辨别生活中的美，对美的领会能力也逐步弱化。
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